lunes, 17 de octubre de 2011
CENTENARIO DE UNA ESCUELA PÚBLICA
LA ESCUELA Nº6 DEL DISTRITO ESCOLAR 8º, SAN JOSÉ DE CALASANZ HA CUMPLIDO SUS PRIMEROS CIEN AÑOS DE EDUCACIÓN PÚBLICA. SUS COMIENZOS FUERON EN LA SEDE DE PARQUE CHACABUCO DONDE ESTUVO 70 AÑOS, HASTA QUE SE MUDÓ A SU DOMICILIO ACTUAL EN AV. LA PLATA 1038. COMO PARTE DE LOS FESTEJOS DE SU PATRONO EL 6 DE OCTUBRE, SE INAUGURÓ UN MURAL (TRÌPTICO) REALIZADO POR LOS NIÑOS DE 5º GRADO DEL TURNO MAÑANA EN LA MATERIA EDUCACIÓN PLÁSTICA COORDINADOS POR LA PROFESORA LILIANA FISCHETTI. AQUÍ SUBIMOS LA IMAGEN Y VAN NUESTRAS ¡¡¡MUY SINCERAS FELICITACIONES!!!!!
sábado, 10 de septiembre de 2011
CRISIS DE LA IMAGEN, OTRA REPRESENTACIÓN
El artista plástico y ensayista argentino Luis Felipe Noé ha sostenido, a lo largo de 50 años de trayectoria, su teoría acerca de la representación de la imagen. El postulado de una nueva figuración del hombre en su contexto de actualidad, más la discusión de la pintura separada, como procedimiento de la idea de “cuadro” o “imagen”, han sido conceptos desarrollados tanto en la práctica artística como en su producción escrita.
Basó sus reflexiones en los términos “cuadro dividido” y “visión quebrada” para arribar a la “nueva imagen”. Fue uno de los integrantes del mítico grupo Nueva figuración, quienes en 1961 se presentaron por primera vez en la Galería Peuser de Buenos Aires. Con fuerte inscripción en el neoexpresionismo y el Grupo Cobra en particular, en ese momento sus obras, de un gran caudal expresivo, convulsionaron el ámbito artístico de la época, invadido por el arte abstracto, el accionismo, el pop art, el informalismo y el happenings entre otros.
Noé continuó esta búsqueda con el devenir de lo años. En su obra Mambo (1962) vislumbra por primera vez la concepción de “visión quebrada”. En ella atraviesa un bastidor en forma horizontal sobre el soporte vertical, incluye su título, fecha y lugar como parte de la composición. Se hacía evidente su necesidad de parcializar el relato, dando a la vez independencia a cada sector. En una conferencia en el Centro Cultural Recoleta en octubre 2010 deslizaría: “yo que creía que había descubierto algo tan grande y ahora todas las imágenes son fragmentadas”. El andamiaje teórico que respalda este trabajo se encuentra en su libro Antiestética de 1963, fundante de su teoría del caos. En él da una nueva categoría de lectura a la unidad de atmósfera, había que asumir el caos como realidad circundante del presente.
De esa etapa surge el principal cuestionamiento, consideraba que la Nueva figuración había conseguido una relación por “fusión” y la imagen contemporánea para él se daba por “oposición” y “tensión”. Comienza así su trajinar para llegar a la representación de la nueva imago mundi del mundo contemporáneo.
En su última obra Noescritos se pregunta: “¿es posible una imago mundi cuando el mundo ya no se representa sino que se presenta, pero atomizado en circunstancias?” (Noé 2007: 50 ) prueba de su constante preocupación por la representación de la imagen. En continuidad con la línea de Mambo aparece Introducción a la esperanza de 1963, la técnica mixta aquí se manifiesta en su máxima expresión hasta el momento, pancartas con reales soportes de madera que se escapan del plano, completan su concepto de quiebre de la representación. Gruesos trazos rojos, negros y amarillos con palabras de fuerte contenido simbólico, integran la composición plástica. El logro de la ruptura de la unidad comienza a asomar con mayor nitidez en esta obra. Deja así atrás el marco, el amontonamiento de figuras neutras en el plano inferior se libera en las planchas irregulares superiores, con la fusión de técnicas, la aparición de la escritura y la yuxtaposición en el juego plástico, el caos reina en apariencia. La imagen en manos de Noé pugna por representar la realidad.
En una sintonía similar El incendio del Jockey Club (1962) con el rojo de sus llamaradas junto a la intensidad de los trazos negros que dividen la trama en cuadrados y rectángulos, anticipa el desprendimiento de figuras que en un futuro mediato, luego de un recorrido de más de cuatro décadas de experimentación, conformarían Nos estamos entendiendo de 2009 (15 piezas de medidas variables), metáfora de los acuerdos como forma de vida independiente para cualquier estructura, sea cual fuere su orden. Esta obra, junto a Estática velocidad, representarían a la Argentina ese año en la 53º Bienal de Venecia.
Especialmente en la última década, el artista ha profundizado los conceptos de pintura e imagen. Ha efectuado un desplazamiento ex profeso para identificar la imagen simplemente como categoría de crisis. Se apoya en otros idiomas (picture en inglés y bild en alemán) para identificar cuadro- pintura-imagen. Esta constante fusión de la teoría con la práctica se verá reflejada en su labor pictórica.
Entrada la década del 2000, la producción dará testimonio de sus conceptos. El armado de la imagen, el collage, el hacer nuevos mundos pasarán a ser su sello distintivo, aunque los medios se empeñen en clasificarlo como neofigurativo y él reniegue de este encasillamiento. En este rumbo es que surge su obra para la Bienal, Estática velocidad. No es la elegida para ir, sino la realizada para presentar. El resultado final demuestra el vínculo estrecho que existe entre la personalidad del hacedor con su criatura. Noé viene andando caminos y en sus recorridos completa trayectos, los de la última etapa podrían unirse en esta obra con la memoria de las anteriores, el discurso se ha unificado, su caos comienza a identificarse aquí con la representación del mundo actual en esa imagen que tanto lo ha preocupado. El concepto de ruptura de la unidad parece reinventarse como era el cometido en sus comienzos.
El constante movimiento está representado en Estática velocidad por pequeños relatos que configuran un aparente gran rompecabezas, se puede hacer zoom sobre un punto a elección y recorrer con la mirada, volver hacia atrás y leer un nuevo sentido. La unidad visual la completa el espectador, hay varias entradas y salidas, como en el mundo digital. Otro dato, que le imprime una increíble actualidad, es que la obra se arma y se desarma cada vez, se enrolla y se guarda hasta la próxima puesta. Esa maleabilidad se corresponde con el momento contemporáneo. El futuro se hizo presente en el proyecto pasado de Noé.
Lo vertiginoso se proyecta en la oblicuidad de dos grandes direcciones narrativas que se disparan hacia arriba y abajo en sus diagonales que, a pesar de su gran velocidad, se detienen en el marco, que no es de bastidor tradicional, pero existe.
Esta asimetría que introduce tiene la total intención de confundir, las oblicuas que distorsionan la frontalidad, obligan al espectador, aunque sea en forma insinuante, a cambiar su postura de observación. El contrato enunciativo sufre así un leve desplazamiento, se está obligado a recorrer las líneas devenidas manchas y, a la vez, figuras que dirigen el movimiento corporal integrado al que se produce en el campo plástico. Una mirada general sobre la obra parece llevar a una cierta abstracción, basada en la definición de lo no figurativo en términos de representación mimética. Pero
al acercarnos los rostros y cuerpos humanos presentan una indiscutible figuración.
Un fragmento nos remite a la obra La memoria del 2006, aunque anterior, parece escapada de este universo global para adueñarse con vida propia de una parte de la historia. Como aguas tranquilas los colores cálidos marcan con su transparencia el paso del tiempo en un rostro de inconfundible humanidad. En el detalle de Estática se ve el rastro de la pincelada veloz, casi con ganas de tapar la figura, pero los ojos bien delineados observan y la nariz , de una construcción académica innegable, hacen pensar en lo poco que tienen que ver las clasificaciones de abstracto o figurativo, resuenan las palabras de Noé: “la pintura es, por ello, en sí misma, abstracta… aquello que es figurativo es el mundo que nos rodea y nosotros mismos”. (Noé 2007: 85)
Este tipo de procedimiento ya se encontraba en Ese golpe de dados del 2002, en la muestra Descalabros de la Galería Rubbers de Buenos Aires. Aquí se aprecia el trabajo retórico de línea y mancha a la vez anticipando los recorridos de Estática Velocidad. La diferencia en el tamaño (mide 11m. x 3m) responde al espacio asignado en la Bienal (Librería Mondadori). Noé viajó para verlo y así diagramar su obra.
Pero quizás por un temor inconsciente a transformarse en un nuevo orden canónico por él rechazado, algunos de esos fragmentos adquieren vida propia y ocupan su lugar
en la pared de enfrente transformándose en Nos estamos entendiendo (2009), con la acostumbrada metadiscursividad del artista la idea de instalación adquiere su propia idiosincrasia. Esta retórica del fragmento tiene su correlato anterior en otra exposición en la Galería Rubbers en el 2004, llamada Dispersiones entrecruzadas, donde se aprecia un delineado más geométrico. Las piezas de Nos estamos... simulan haber caído en el lugar sin previa asignación, el recorte tiene mayor libertad expresiva, la curva interviene hasta su contorno, la línea en negro demarca la ubicación, el diálogo no es tan estructurado.
El blanco de la pared, devenido soporte en ambos casos, conforma aquel deseo inicial del autor de dispararse en diferentes direcciones sin ser atrapado por el límite del soporte.
La evolución de su obra hacia esa meta inicial de lograr otro sistema de representación comienza aquí a adquirir visibilidad. Casi 50 años de ensayo-error-corrección (destruyó obra e hizo un impasse de 9 años en la pintura) para caracterizar de alguna manera ese devenir constante del artista, definen su marca de autor. Para la Bienal de Venecia –uno de los requisitos era “la proximidad al proceso de producción con obras que expresen su hacer y representen una imagen del mundo” (catálogo exposición Bellas Artes)-, Luis Felipe Noé recrea el mundo en el que vive, el que habita, el cotidiano, reinterpreta las vivencias, las traduce al soporte o los soportes, juega, discute, vibra, su pretensión representativa es de actualidad. Esta imagen contemporánea que propone, ya no parece tan caótica, tiene carteles indicadores que no necesitan de la escritura para interpretarlos. Desde su paradojal título Estática Velocidad convalida las contradicciones del sujeto moderno-contemporáneo. Eso parece decir la obra: avanzar a la vez que se está detenido. Noé articula tanto las tensiones en el espacio pictórico como en el campo artístico, así como conoce a los agentes de este último y su interrelación, domina la técnica y el lenguaje plástico. A pesar de esta característica evolutiva hacia lo diferente, se lo podría ubicar dentro de lo tradicional en cuanto al formato, sus obras son para colgar o, por lo menos, para sostenerse en el muro.
Glusberg en 1985 ya lo caracterizaba así “ha cambiado y evolucionado en veinticinco años, quizá más que ningún otro pintor argentino” (Glusgberg 1986: 357). Exactamente al doble de años de distancia la frase se reactualiza. Su estilo ha variado en las diferentes etapas.
La difícil disociación entre autor y obra tal vez tenga su respuesta en la movilidad actual del artista. Sus apariciones en el espacio público son frecuentes por las convocatorias de diversos ámbitos, para la defensa de su teoría.
Lo itinerante podría destacarse como el signo de lo contemporáneo. Conforme a ello este artista latinoamericano continúa el recorrido, la imagen con sus problemas representativos lo anteceden en la presentación.
Referencias bibliográficas
Arnheim, R (1957) Arte y Percepción visual. Buenos Aires: Eudeba.
Glusberg, J. y Noé, L. (1993) Lectura conceptual de una trayectoria. Buenos
Aires: CAYC
Glusberg, J. (1986) Del Pop art a la Nueva imagen. Buenos Aires: Gaglianone
Noé, L. (1965) Antiestética. Buenos Aires: Van Riel
_(2007) Noescritos. Buenos Aires: Adriana Hidalgo editora
Lebenglick, F (2009). “Las redes del tiempo, texto curatorial de LUIS FELIPE NOÉ” en La Bienal de Venecia (Museo Emilio Caraffa)
Nota biográfica
Liliana Fischetti. Es Maestra en Artes Visuales (Antonio Berni de San Martín) y Licenciada en Crítica de Artes (IUNA). Trabaja como docente de Educación Plástica desde 1990. Presentó las ponencias “Jugando con Miró”, en el 6º Congreso Nacional de E. Artística (Mendoza/01), Land Art en las 1eras. Jornadas de alumnos y graduados de Crítica de Artes (2010) y “Arte Precolombino” en as 1eras. Jornadas del CEPA (2011).
ESTE TRABAJO FUE PRESENTADO EN LAS SEGUNDAS JORNADAS DE ALUMNOS Y GRADUADOS DE CRITICA DE ARTE DEL IUNA http://criticadeartes.iuna.edu.ar/noticias/1333-se-realizaron-las-segundas-jornadas-de-estudiantes-y-graduados-en-critica-de-artes
Basó sus reflexiones en los términos “cuadro dividido” y “visión quebrada” para arribar a la “nueva imagen”. Fue uno de los integrantes del mítico grupo Nueva figuración, quienes en 1961 se presentaron por primera vez en la Galería Peuser de Buenos Aires. Con fuerte inscripción en el neoexpresionismo y el Grupo Cobra en particular, en ese momento sus obras, de un gran caudal expresivo, convulsionaron el ámbito artístico de la época, invadido por el arte abstracto, el accionismo, el pop art, el informalismo y el happenings entre otros.
Noé continuó esta búsqueda con el devenir de lo años. En su obra Mambo (1962) vislumbra por primera vez la concepción de “visión quebrada”. En ella atraviesa un bastidor en forma horizontal sobre el soporte vertical, incluye su título, fecha y lugar como parte de la composición. Se hacía evidente su necesidad de parcializar el relato, dando a la vez independencia a cada sector. En una conferencia en el Centro Cultural Recoleta en octubre 2010 deslizaría: “yo que creía que había descubierto algo tan grande y ahora todas las imágenes son fragmentadas”. El andamiaje teórico que respalda este trabajo se encuentra en su libro Antiestética de 1963, fundante de su teoría del caos. En él da una nueva categoría de lectura a la unidad de atmósfera, había que asumir el caos como realidad circundante del presente.
De esa etapa surge el principal cuestionamiento, consideraba que la Nueva figuración había conseguido una relación por “fusión” y la imagen contemporánea para él se daba por “oposición” y “tensión”. Comienza así su trajinar para llegar a la representación de la nueva imago mundi del mundo contemporáneo.
En su última obra Noescritos se pregunta: “¿es posible una imago mundi cuando el mundo ya no se representa sino que se presenta, pero atomizado en circunstancias?” (Noé 2007: 50 ) prueba de su constante preocupación por la representación de la imagen. En continuidad con la línea de Mambo aparece Introducción a la esperanza de 1963, la técnica mixta aquí se manifiesta en su máxima expresión hasta el momento, pancartas con reales soportes de madera que se escapan del plano, completan su concepto de quiebre de la representación. Gruesos trazos rojos, negros y amarillos con palabras de fuerte contenido simbólico, integran la composición plástica. El logro de la ruptura de la unidad comienza a asomar con mayor nitidez en esta obra. Deja así atrás el marco, el amontonamiento de figuras neutras en el plano inferior se libera en las planchas irregulares superiores, con la fusión de técnicas, la aparición de la escritura y la yuxtaposición en el juego plástico, el caos reina en apariencia. La imagen en manos de Noé pugna por representar la realidad.
En una sintonía similar El incendio del Jockey Club (1962) con el rojo de sus llamaradas junto a la intensidad de los trazos negros que dividen la trama en cuadrados y rectángulos, anticipa el desprendimiento de figuras que en un futuro mediato, luego de un recorrido de más de cuatro décadas de experimentación, conformarían Nos estamos entendiendo de 2009 (15 piezas de medidas variables), metáfora de los acuerdos como forma de vida independiente para cualquier estructura, sea cual fuere su orden. Esta obra, junto a Estática velocidad, representarían a la Argentina ese año en la 53º Bienal de Venecia.
Especialmente en la última década, el artista ha profundizado los conceptos de pintura e imagen. Ha efectuado un desplazamiento ex profeso para identificar la imagen simplemente como categoría de crisis. Se apoya en otros idiomas (picture en inglés y bild en alemán) para identificar cuadro- pintura-imagen. Esta constante fusión de la teoría con la práctica se verá reflejada en su labor pictórica.
Entrada la década del 2000, la producción dará testimonio de sus conceptos. El armado de la imagen, el collage, el hacer nuevos mundos pasarán a ser su sello distintivo, aunque los medios se empeñen en clasificarlo como neofigurativo y él reniegue de este encasillamiento. En este rumbo es que surge su obra para la Bienal, Estática velocidad. No es la elegida para ir, sino la realizada para presentar. El resultado final demuestra el vínculo estrecho que existe entre la personalidad del hacedor con su criatura. Noé viene andando caminos y en sus recorridos completa trayectos, los de la última etapa podrían unirse en esta obra con la memoria de las anteriores, el discurso se ha unificado, su caos comienza a identificarse aquí con la representación del mundo actual en esa imagen que tanto lo ha preocupado. El concepto de ruptura de la unidad parece reinventarse como era el cometido en sus comienzos.
El constante movimiento está representado en Estática velocidad por pequeños relatos que configuran un aparente gran rompecabezas, se puede hacer zoom sobre un punto a elección y recorrer con la mirada, volver hacia atrás y leer un nuevo sentido. La unidad visual la completa el espectador, hay varias entradas y salidas, como en el mundo digital. Otro dato, que le imprime una increíble actualidad, es que la obra se arma y se desarma cada vez, se enrolla y se guarda hasta la próxima puesta. Esa maleabilidad se corresponde con el momento contemporáneo. El futuro se hizo presente en el proyecto pasado de Noé.
Lo vertiginoso se proyecta en la oblicuidad de dos grandes direcciones narrativas que se disparan hacia arriba y abajo en sus diagonales que, a pesar de su gran velocidad, se detienen en el marco, que no es de bastidor tradicional, pero existe.
Esta asimetría que introduce tiene la total intención de confundir, las oblicuas que distorsionan la frontalidad, obligan al espectador, aunque sea en forma insinuante, a cambiar su postura de observación. El contrato enunciativo sufre así un leve desplazamiento, se está obligado a recorrer las líneas devenidas manchas y, a la vez, figuras que dirigen el movimiento corporal integrado al que se produce en el campo plástico. Una mirada general sobre la obra parece llevar a una cierta abstracción, basada en la definición de lo no figurativo en términos de representación mimética. Pero
al acercarnos los rostros y cuerpos humanos presentan una indiscutible figuración.
Un fragmento nos remite a la obra La memoria del 2006, aunque anterior, parece escapada de este universo global para adueñarse con vida propia de una parte de la historia. Como aguas tranquilas los colores cálidos marcan con su transparencia el paso del tiempo en un rostro de inconfundible humanidad. En el detalle de Estática se ve el rastro de la pincelada veloz, casi con ganas de tapar la figura, pero los ojos bien delineados observan y la nariz , de una construcción académica innegable, hacen pensar en lo poco que tienen que ver las clasificaciones de abstracto o figurativo, resuenan las palabras de Noé: “la pintura es, por ello, en sí misma, abstracta… aquello que es figurativo es el mundo que nos rodea y nosotros mismos”. (Noé 2007: 85)
Este tipo de procedimiento ya se encontraba en Ese golpe de dados del 2002, en la muestra Descalabros de la Galería Rubbers de Buenos Aires. Aquí se aprecia el trabajo retórico de línea y mancha a la vez anticipando los recorridos de Estática Velocidad. La diferencia en el tamaño (mide 11m. x 3m) responde al espacio asignado en la Bienal (Librería Mondadori). Noé viajó para verlo y así diagramar su obra.
Pero quizás por un temor inconsciente a transformarse en un nuevo orden canónico por él rechazado, algunos de esos fragmentos adquieren vida propia y ocupan su lugar
en la pared de enfrente transformándose en Nos estamos entendiendo (2009), con la acostumbrada metadiscursividad del artista la idea de instalación adquiere su propia idiosincrasia. Esta retórica del fragmento tiene su correlato anterior en otra exposición en la Galería Rubbers en el 2004, llamada Dispersiones entrecruzadas, donde se aprecia un delineado más geométrico. Las piezas de Nos estamos... simulan haber caído en el lugar sin previa asignación, el recorte tiene mayor libertad expresiva, la curva interviene hasta su contorno, la línea en negro demarca la ubicación, el diálogo no es tan estructurado.
El blanco de la pared, devenido soporte en ambos casos, conforma aquel deseo inicial del autor de dispararse en diferentes direcciones sin ser atrapado por el límite del soporte.
La evolución de su obra hacia esa meta inicial de lograr otro sistema de representación comienza aquí a adquirir visibilidad. Casi 50 años de ensayo-error-corrección (destruyó obra e hizo un impasse de 9 años en la pintura) para caracterizar de alguna manera ese devenir constante del artista, definen su marca de autor. Para la Bienal de Venecia –uno de los requisitos era “la proximidad al proceso de producción con obras que expresen su hacer y representen una imagen del mundo” (catálogo exposición Bellas Artes)-, Luis Felipe Noé recrea el mundo en el que vive, el que habita, el cotidiano, reinterpreta las vivencias, las traduce al soporte o los soportes, juega, discute, vibra, su pretensión representativa es de actualidad. Esta imagen contemporánea que propone, ya no parece tan caótica, tiene carteles indicadores que no necesitan de la escritura para interpretarlos. Desde su paradojal título Estática Velocidad convalida las contradicciones del sujeto moderno-contemporáneo. Eso parece decir la obra: avanzar a la vez que se está detenido. Noé articula tanto las tensiones en el espacio pictórico como en el campo artístico, así como conoce a los agentes de este último y su interrelación, domina la técnica y el lenguaje plástico. A pesar de esta característica evolutiva hacia lo diferente, se lo podría ubicar dentro de lo tradicional en cuanto al formato, sus obras son para colgar o, por lo menos, para sostenerse en el muro.
Glusberg en 1985 ya lo caracterizaba así “ha cambiado y evolucionado en veinticinco años, quizá más que ningún otro pintor argentino” (Glusgberg 1986: 357). Exactamente al doble de años de distancia la frase se reactualiza. Su estilo ha variado en las diferentes etapas.
La difícil disociación entre autor y obra tal vez tenga su respuesta en la movilidad actual del artista. Sus apariciones en el espacio público son frecuentes por las convocatorias de diversos ámbitos, para la defensa de su teoría.
Lo itinerante podría destacarse como el signo de lo contemporáneo. Conforme a ello este artista latinoamericano continúa el recorrido, la imagen con sus problemas representativos lo anteceden en la presentación.
Referencias bibliográficas
Arnheim, R (1957) Arte y Percepción visual. Buenos Aires: Eudeba.
Glusberg, J. y Noé, L. (1993) Lectura conceptual de una trayectoria. Buenos
Aires: CAYC
Glusberg, J. (1986) Del Pop art a la Nueva imagen. Buenos Aires: Gaglianone
Noé, L. (1965) Antiestética. Buenos Aires: Van Riel
_(2007) Noescritos. Buenos Aires: Adriana Hidalgo editora
Lebenglick, F (2009). “Las redes del tiempo, texto curatorial de LUIS FELIPE NOÉ” en La Bienal de Venecia (Museo Emilio Caraffa)
Nota biográfica
Liliana Fischetti. Es Maestra en Artes Visuales (Antonio Berni de San Martín) y Licenciada en Crítica de Artes (IUNA). Trabaja como docente de Educación Plástica desde 1990. Presentó las ponencias “Jugando con Miró”, en el 6º Congreso Nacional de E. Artística (Mendoza/01), Land Art en las 1eras. Jornadas de alumnos y graduados de Crítica de Artes (2010) y “Arte Precolombino” en as 1eras. Jornadas del CEPA (2011).
ESTE TRABAJO FUE PRESENTADO EN LAS SEGUNDAS JORNADAS DE ALUMNOS Y GRADUADOS DE CRITICA DE ARTE DEL IUNA http://criticadeartes.iuna.edu.ar/noticias/1333-se-realizaron-las-segundas-jornadas-de-estudiantes-y-graduados-en-critica-de-artes
martes, 30 de agosto de 2011
EL ARTE EN EL BARRIO A TRAVÉS DE LA ESCUELA
EL GOBIERNO DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES CUENTA CON CENTROS COMPLEMENTARIOS DE ARTE PARA NIÑOS DE 5 A 14 AÑOS. SE LLAMAN CECEP Y ESTÁN DISTRIBUIDOS EN DISTINTOS BARRIOS DE ESTA CIUDAD.PARA MÁS INFORMACIÓN VISITAR LA PÁGINA www.buenosaires.edu.ar.
LA NOVEDAD ES QUE EN ESTA OCASIÓN SE HA PUESTO EN MARCHA UN PROGRAMA LLAMADO ESCUELA+ARTE+COMUNIDAD CONSISTIRÁ EN UNA SERIE DE MUESTRAS, DONDE LOS ARTISTAS PLÁSTICOS DEL BARRIO Y A LA VEZ PROFESORES DEL DISTRITO, TENDRÁN LA OPORTUNIDAD DE EXPONER SUS OBRAS EN ESTAS ESCUELAS.
DESDE EL 22 DE AGOSTO LO ESTÁN HACIENDO 25 REPRESENTANTES D.E. 8 EN EL CECEP DE PARQUE CHACABUCO, SALAS 565, EN HORARIO ESCOLAR DE 8 A 16. LA INAUGURACIÓN CONTÓ CON LA PRESENCIA DE AUTORIDADES DEL GOBIERNO, LA ACTUACIÓN DEL CORO DE NIÑOS Y UN CONCIERTO A CARGO DE PROFESORES DE MÚSICA DEL DISTRITO.LA CURADORA FUE LA SUPERVISORA ESCOLAR DE EDUCACIÓN PLÁSTICA, PROF. ELENA ABELLEIRA.
LA MUESTRA DURARÁ APROXIMADAMENTE UN MES.VALE LA PENA ACERCARSE, HAY GRAN VARIEDAD DE PROPUESTAS ARTÍSTICAS Y ES UNA BUENA MANERA DE VER LO QUE HACEN LOS QUE ENSEÑAN ARTE.
LA NOVEDAD ES QUE EN ESTA OCASIÓN SE HA PUESTO EN MARCHA UN PROGRAMA LLAMADO ESCUELA+ARTE+COMUNIDAD CONSISTIRÁ EN UNA SERIE DE MUESTRAS, DONDE LOS ARTISTAS PLÁSTICOS DEL BARRIO Y A LA VEZ PROFESORES DEL DISTRITO, TENDRÁN LA OPORTUNIDAD DE EXPONER SUS OBRAS EN ESTAS ESCUELAS.
DESDE EL 22 DE AGOSTO LO ESTÁN HACIENDO 25 REPRESENTANTES D.E. 8 EN EL CECEP DE PARQUE CHACABUCO, SALAS 565, EN HORARIO ESCOLAR DE 8 A 16. LA INAUGURACIÓN CONTÓ CON LA PRESENCIA DE AUTORIDADES DEL GOBIERNO, LA ACTUACIÓN DEL CORO DE NIÑOS Y UN CONCIERTO A CARGO DE PROFESORES DE MÚSICA DEL DISTRITO.LA CURADORA FUE LA SUPERVISORA ESCOLAR DE EDUCACIÓN PLÁSTICA, PROF. ELENA ABELLEIRA.
LA MUESTRA DURARÁ APROXIMADAMENTE UN MES.VALE LA PENA ACERCARSE, HAY GRAN VARIEDAD DE PROPUESTAS ARTÍSTICAS Y ES UNA BUENA MANERA DE VER LO QUE HACEN LOS QUE ENSEÑAN ARTE.
lunes, 15 de agosto de 2011
COMPROMISO
COMPROMISO
Con este título tan sencillo y complejo a la vez se presentó la muestra de Artes Visuales del taller a cargo de Beatriz Papotto, en el Museo del Honorable Senado de la Nación, el pasado 2 de agosto.
El grupo de pintores y grabadores que expuso sus obras al mejor estilo tradicional, no se preguntó en ningún momento en que categoría del arte estarían en el momento actual.
Simplemente se dedicaron a pintar, a trabajar con todas sus ganas y emociones puliendo la técnica con la guía de su profesora.
Es notable la calidad plástica del conjunto, la curaduría a cargo de la propia Beatriz Papotto, buscó desde la puesta guiar al espectador por un camino zigzagueante entre los paneles negros que daban fondo a los cuadros. Con el respaldo gráfico del catálogo y una gigantografía en el lugar con reproducciones de las obras, más un reportaje filmado para el canal del Senado, se le dio categoría de evento. Se sumó además una pareja de músicos invitados que con sus acordes acompañaban el recorrido que, amigos, colegas y familiares realizaban en ese espacio.
Los trabajos muy variados en temáticas y técnicas dejaban ver la libertad expresiva que se respira en el taller, su coordinadora es sabedora de los intereses de los alumnos y como guiarlos para el logro de sus objetivos. Por ejemplo en el caso de Beatriz Rodríguez su inclinación hacia el tema de los orígenes, está muy bien denotado por el trabajo de los tierras en sus variadas gamas y el relieve marcado que ya sugiere la necesidad de un desprendimiento paulatino de la bidimensión.
La grata jornada presenciada habla de la buena salud que goza la imagen, no importa la técnica para su representación como diría el amigo Noé, y es muy bienvenido este tipo de actividades que refuerza el arte en todas sus expresiones en los diferentes ámbitos para su difusión.
L F
Con este título tan sencillo y complejo a la vez se presentó la muestra de Artes Visuales del taller a cargo de Beatriz Papotto, en el Museo del Honorable Senado de la Nación, el pasado 2 de agosto.
El grupo de pintores y grabadores que expuso sus obras al mejor estilo tradicional, no se preguntó en ningún momento en que categoría del arte estarían en el momento actual.
Simplemente se dedicaron a pintar, a trabajar con todas sus ganas y emociones puliendo la técnica con la guía de su profesora.
Es notable la calidad plástica del conjunto, la curaduría a cargo de la propia Beatriz Papotto, buscó desde la puesta guiar al espectador por un camino zigzagueante entre los paneles negros que daban fondo a los cuadros. Con el respaldo gráfico del catálogo y una gigantografía en el lugar con reproducciones de las obras, más un reportaje filmado para el canal del Senado, se le dio categoría de evento. Se sumó además una pareja de músicos invitados que con sus acordes acompañaban el recorrido que, amigos, colegas y familiares realizaban en ese espacio.
Los trabajos muy variados en temáticas y técnicas dejaban ver la libertad expresiva que se respira en el taller, su coordinadora es sabedora de los intereses de los alumnos y como guiarlos para el logro de sus objetivos. Por ejemplo en el caso de Beatriz Rodríguez su inclinación hacia el tema de los orígenes, está muy bien denotado por el trabajo de los tierras en sus variadas gamas y el relieve marcado que ya sugiere la necesidad de un desprendimiento paulatino de la bidimensión.
La grata jornada presenciada habla de la buena salud que goza la imagen, no importa la técnica para su representación como diría el amigo Noé, y es muy bienvenido este tipo de actividades que refuerza el arte en todas sus expresiones en los diferentes ámbitos para su difusión.
L F
sábado, 13 de agosto de 2011
ARTE CONCRETO
EN BLANCO
Desde que Malevich irrumpió con su cuadrado blanco sobre fondo blanco en abierto desafío a toda representación mimética, la ventana al mundo quedó atrás para dar paso a la abstracción. El juego plástico de pura forma y color, el espacio bidimensional como mero soporte de superposición de planos con incisiones y relieves, pasó a ocupar un lugar protagónico.El MACLA (Museo de arte contemporáneo de La Plata) cuenta con un importante patrimonio de arte concreto, en especial el MADÍ tanto nacional como internacional. La idea aquí es hacer un pequeño recorte aunque parezca un poco arbitrario para realizar una muestra virtual con algunas de sus obras. Y rescatar así lo lúdico en el universo de las Artes Visuales, con la sana intención de transmitir lo simple y complejo a la vez de las formas en sí mismas.
Como ya se mencionó el cuadrado blanco será el nexo en esta selección, los artistas elegidos provienen de diferentes corrientes estilísticas, el desafío es la puesta en serie de sus obras. El primero es Luis Tomasello, quien parte de su forma pura como en Atmosphere chromoplastique nº 491(relieve), para continuar la serie con algunas incisiones cromáticas en la madera (Atmosphere chromoplastique nº 487- relieve-).En esta misma sintonía parece estar Juan Melé con sus acrílicos pintados sobre madera. Sin embargo su inscripción en el Arte Concreto Invención de la década del 40 en Argentina lo distancia bastante de Tomasello, quien años más tarde se dedicaría definitivamente a la investigación de los fenómenos del color y la luz. Acompaña en esta intención la obra de Cáceres Sobrea, mantiene la forma pero sus acrílicos sobre tela muestran una pintura plana con yuxtaposición de valores intervenidos apenas por alguna línea blanca o de un leve asomo cromático.
En representación del llamado Madí Internacional están los franceses: Jean Branchet, en cuya obra se destaca el trazo contundente de una línea roja que atraviesa el cuadrado devenido rombo. Y Dominique Binet, del mundo de la arquitectura que utiliza aquí la superposición de cuadrados. Por último Fajo Janos, de nacionalidad húngara, con su mínimo asomo de color y negro detrás del blanco, como una metáfora de la salida de este recorrido neutro hoy propuesto, completa la serie. Cabe recordar que el Madí es un movimiento de origen argentino, Carmelo Arden Queen, su fundador, ha sido el responsable de su proyección a nivel mundial.
LF
IMÁGENES GENTILEZA MACLA DE LA PLATA.
Desde que Malevich irrumpió con su cuadrado blanco sobre fondo blanco en abierto desafío a toda representación mimética, la ventana al mundo quedó atrás para dar paso a la abstracción. El juego plástico de pura forma y color, el espacio bidimensional como mero soporte de superposición de planos con incisiones y relieves, pasó a ocupar un lugar protagónico.El MACLA (Museo de arte contemporáneo de La Plata) cuenta con un importante patrimonio de arte concreto, en especial el MADÍ tanto nacional como internacional. La idea aquí es hacer un pequeño recorte aunque parezca un poco arbitrario para realizar una muestra virtual con algunas de sus obras. Y rescatar así lo lúdico en el universo de las Artes Visuales, con la sana intención de transmitir lo simple y complejo a la vez de las formas en sí mismas.
Como ya se mencionó el cuadrado blanco será el nexo en esta selección, los artistas elegidos provienen de diferentes corrientes estilísticas, el desafío es la puesta en serie de sus obras. El primero es Luis Tomasello, quien parte de su forma pura como en Atmosphere chromoplastique nº 491(relieve), para continuar la serie con algunas incisiones cromáticas en la madera (Atmosphere chromoplastique nº 487- relieve-).En esta misma sintonía parece estar Juan Melé con sus acrílicos pintados sobre madera. Sin embargo su inscripción en el Arte Concreto Invención de la década del 40 en Argentina lo distancia bastante de Tomasello, quien años más tarde se dedicaría definitivamente a la investigación de los fenómenos del color y la luz. Acompaña en esta intención la obra de Cáceres Sobrea, mantiene la forma pero sus acrílicos sobre tela muestran una pintura plana con yuxtaposición de valores intervenidos apenas por alguna línea blanca o de un leve asomo cromático.
En representación del llamado Madí Internacional están los franceses: Jean Branchet, en cuya obra se destaca el trazo contundente de una línea roja que atraviesa el cuadrado devenido rombo. Y Dominique Binet, del mundo de la arquitectura que utiliza aquí la superposición de cuadrados. Por último Fajo Janos, de nacionalidad húngara, con su mínimo asomo de color y negro detrás del blanco, como una metáfora de la salida de este recorrido neutro hoy propuesto, completa la serie. Cabe recordar que el Madí es un movimiento de origen argentino, Carmelo Arden Queen, su fundador, ha sido el responsable de su proyección a nivel mundial.
LF
IMÁGENES GENTILEZA MACLA DE LA PLATA.
viernes, 22 de julio de 2011
LA LECCIÓN DEL MAESTRO
Maestro de raza, de la vieja escuela, relataba tranquilamente con anécdotas de por medio como se fue gestando este proyecto hasta hacerse realidad. El recuerdo de su colega y amigo Osvaldo Scarfó fue lo más emotivo, según él mismo reconoció, fue el primero y quien más insistió para que ese legado les quedara a las nuevas generaciones.
Cuando el corazón le dio un susto, lo obligó a la reflexión sobre la posibilidad de llevarse su sabiduría a la tumba. 30 años se plasmaron durante su convalescencia, primero fue una versión artesanal que el creyó única para donar al Lola Mora. Pero la descubrió otro profesor, Jorge Luis Pirozolo, antiguo director de ese establecimiento y actual legislador de la provincia de Buenos Aires, quien gestionó un subsidio para poder editar la obra. Así se logró una edición gratuita de 2000 ejemplares que fueron distribuidos en todas las escuelas de arte del país.
La familiaridad y el intimismo recorría la sala, el director del museo Darío Klehr, alumno y heredero del maestro se había dado el gusto de homenajearlo como él lo merecía, en un momento del recuerdo lo traicionó un poco la emoción, con una muy buena trayectoria profesional cuando llegó a este puesto, una de sus tareas fue el reconocimiento a sus mentores. En una parte del relato mencionó "mientras yo sea el director de este museo, van a estar aquí expuestas estas maquetas que me regaló Pancho" Y no se cansaba de agradecer, se sentía el valor de la herencia, la transmisión del conocimiento, el respeto por los maestros.
Otro profesor a su lado Rogelio García Garrido, también era parte de la historia, habían compartido el trabajo docente así como la idea del libro, a la vez tomó un curso con su colega sobre este tema bastante difícil de resolver, los dibujantes y pintores lo saben. Pero como dijo un ex alumno y actual estudiante de la UBA, cuando le presentó el libro al profesor le dijo "pero ahora hay programas de computadora que lo hacen". Nadie lo niega, ni siquiera Pancho que utiliza muy bien la computación, pero como él dice "hay que saber sacar las medidas, es mi ojo el que decide el dibujo".
Más allá de estas discusiones sobre lo nuevo o lo viejo, la tradición o la modernidad, lo importante es que en esta oportunidad se hizo visible la trayectoria de alguien que sigue dando cátedra a sus 88 años y con sólo 8 de jubilado, como el primer día en que se inició en la profesión. Los abrazos, los saludos y las fotos completaban la historia que se escribió esta tarde, afuera la tranquilidad del barrio, aquí adentro la calidez del encuentro. L F
martes, 12 de julio de 2011
ALGUNOS MUSEOS PARA CONOCER
EN LA CIUDAD DE BUENOS AIRES ES VARIADA LA PROPUESTA DE MUSEOS DE ARTE. HOY VAMOS A MENCIONAR A TRES QUE SE ENCUENTRAN EN EL NORTE DE ESTA CAPITAL. A LA VEZ POR SU CONTENIDO SE LOS PODRÍA CLASIFICAR EN INTERNACIONAL, LATINOAMERICANO Y ARGENTINO.
PERO ANTES DE CONTINUAR VALE UNA ACLARACIÓN ACERCA DEL CONCEPTO ACTUAL DEL "MUSEO" COMO INSTITUCIÓN. LA IDEA DE ENTIDAD DINÁMICA Y ABIERTA HA REEMPLAZADO LA VIEJA CONCEPCIÓN DE ESTÁTICA Y CERRADA. ESTO SE TRASLUCE EN LA OFERTA DE ACTIVIDADES PARA NIÑOS Y TAMBIÉN EN LOS CURSOS, TALLERES Y SEMINARIOS PARA ADULTOS. ADEMÁS ALGUNOS REALIZAN CICLOS DE CINE Y TEATRO, Y CASI TODOS CONVOCAN A ARTISTAS E INTELECTUALES PARA BRINDAR CHARLAS O CONFERENCIAS ENTRE OTRAS PROPUESTAS.
AHORA SÍ, A NOMBRARLOS:
MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES: SE ENCUENTRA UBICADO EN PLENO RECOLETA, EN LIBERTADOR 1473. A PESAR DE SU NOMBRE ES TAL VEZ EL QUE MÁS ARTE INTERNACIONAL POSEE, SE PRESENTA EN SALAS CLASIFICADAS DE ACUERDO A LOS DIFERENTES PERÍODOS Y ESTILOS DE LA HISTORIA DEL ARTE. LA NOVEDAD ES QUE RECIENTEMENTE FUERON PINTADAS A NUEVO, ALGO QUE NO SE HACÍA DESDE HACE DÉCADAS. TAMBIÉN CUENTA CON UN ESPACIO DE ARTE ARGENTINO EN EL PRIMER PISO, CON OBRAS MUY ACTUALES. APARTE DE ESTAS PERMANENTES SE REALIZAN EXPOSICIONES TEMPORARIAS TANTO LOCALES COMO EXTRANJERAS DE ALTA CALIDAD, HA CONTADO CON GRANDES RETROSPECTIVAS. GOZA DE UN GRAN PRESTIGIO. ES CASI OBLIGATORIO POR LO MENOS VISITARLO UNA VEZ PARA CONOCERLO. PARA MAS DATOS SE PUEDE CONSULTAR EL SITIO http://www.mnba.org.ar
MALBA, MUSEO DE ARTE LATINOMERICANO DE BUENOS AIRES, AV.FIGUEROA ALCORTA 3415. ESTE MUSEO TIENE DOS CARACTERÍSTICAS ÚNICAS: EL EDIFICIO FUE DISEÑADO ESPECIALMENTE PARA ESTA FUNCIÓN, ALGO QUE NO SUCEDE CON LOS DEMÁS, Y EL HECHO DE CONTAR CON UN EXCLUSIVO PATRIMONIO LATINOAMERICANO, ALGO GRATAMENTE RECIBIDO DADA SU CARENCIA HASTA ESE MOMENTO POR NUESTRAS TIERRAS. SE LO CONOCE TAMBIÉN COMO FUNDACIÓN CONSTANTINI, EL NOMBRE ES DEBIDO A SU DIRECTOR Y CREADOR, EL ARQUITECTO HUMBERTO CONSTANTINI QUIEN DE ESTA MANERA PUSO A DISPOSICIÓN DEL PÚBLICO SU ESTUPENDA COLECCIÓN.
A DIFERENCIA DEL ANTERIOR SE COBRA ENTRADA PUES ES PRIVADO, TIENE UN DÍA DE DESCUENTO GENERAL Y ADEMÁS REALIZA LOS DE RIGOR A JUBILADOS Y ESTUDIANTES. ESTE AÑO CUMPLE SUS DIEZ AÑOS, VALE LA PENA SU RECORRIDO, TIENE MUESTRAS TEMPORARIAS DE ARTISTAS PRESTIGIOSOS. EL LUGAR DE EMPLAZAMIENTO ESTÁ RODEADO DE PARQUES, IDEAL PARA UNA SALIDA FAMILIAR. SU PÁGINA WEB: http://www.malba.org.ar
MUSEO SÍVORI: Y POR ÚLTIMO HOY, EL DE ARTE ARGENTINO. ESTE MUSEO ES MUY BONITO, TAMBIÉN SE ENCUENTRA EN UN HERMOSO LUGAR, FRENTE AL ROSEDAL EN PALERMO, EN INFANTA ISABEL 555. ESTA ES SU SEDE DEFINITIVA DESDE 1995. ANTERIORMENTE TUVO UN LARGO TRAJINAR POR DIFERENTES LUGARES PRESTADOS, POR LO CUAL ES UNA MARAVILLA ESTE LOGRO, EL EDIFICIO ES MODERNO (ERA LA VIEJA CONFITERÍA DEL CIERVO), ES VIDRIADO, LUMINOSO, EL PARQUE CON ESCULTURAS ES UNO DE SUS ATRACTIVOS. ADEMÁS DESDE HACE AÑOS TRABAJA CON UN SISTEMA DE LECTURA DE OBRAS DE ARTE PARA CIEGOS. SON MUY INTERESANTES UNAS PASANTÍAS QUE TIENEN PARA GUÍAS DEL MUSEO, SOBRE TODO PARA ESTUDIANTES DE ARTE.
SE RECOMIENDA VER LA SALA DE EXPOSICIÓN PERMANENTE.EN ELLA SE PRESENTA EL RECORRIDO HISTÓRICO DE NUESTRA PINTURA CON OBRAS DE LOS PINTORES VIAJEROS EN EL 1800 HASTA LAS DEL SIGLO XX, PASANDO POR LA ABSTRACCIÓN, EL IMPRESIONISMO, LA NEOFIGURACIÓN,LOS ARTISTAS DEL PUEBLO, ETC.
ENTRE SUS ACTIVIDADES MÁS DESTACADAS ESTÁ EL SALÓN ANUAL MANUEL BELGRANO DE DIBUJO, GRABADO Y PINTURA.
LA ENTRADA ES GRATUITA. A CONOCERLO Y DISFRUTARLO.SU PÁGINA: http://www.museosivori.org.ar/ HASTA LA PRÓXIMA!!
ENTRE SUS ACTIVIDADES MÁS DESTACADAS ESTÁ EL SALÓN ANUAL MANUEL BELGRANO DE DIBUJO, GRABADO Y PINTURA.
LA ENTRADA ES GRATUITA. A CONOCERLO Y DISFRUTARLO.SU PÁGINA: http://www.museosivori.org.ar/ HASTA LA PRÓXIMA!!
lunes, 11 de julio de 2011
RECREACIONES DE JUANITO LAGUNA
Y YA QUE HABLAMOS DE BERNI AQUÍ VAN ALGUNOS DE LOS TRABAJOS REALIZADOS POR LOS CHICOS DEL 6º GRADO T.M. DE LA ESCUELA 6 DEL 8º, SAN JOSÉ DE CALASANZ EN EL 2010.
TAMBIÉN OTROS CHICOS EN AÑOS ANTERIORES Y EN OTRA ESCUELA REALIZARON RECREACIONES DE ESTE ARTISTA. AQUÍ VAN LAS DE LA ESCUELA 1 DEL DISTRITO 21 DE CAPITAL FEDERAL EN EL AÑO 2008.
TAMBIÉN OTROS CHICOS EN AÑOS ANTERIORES Y EN OTRA ESCUELA REALIZARON RECREACIONES DE ESTE ARTISTA. AQUÍ VAN LAS DE LA ESCUELA 1 DEL DISTRITO 21 DE CAPITAL FEDERAL EN EL AÑO 2008.
PARADOJAS DE LOS ARTISTAS SOCIALES
Antonio Berni y Ricardo Carpani, dos artistas plásticos argentinos de renombrada trayectoria nacional e internacional, ambos consagrados, ambos considerados con ideario social en su profesión, pese a estas coincidencias su estatuto consagratorio difiere en cuanto construcción social. ¿Cuáles son los elementos que influyen o intervienen para que un artista tenga ese reconocimiento más allá de sus propias intenciones? Esto nos interesa dilucidar o por lo menos intentarlo. Dos ejes son importantes para esto: las condiciones de producción de la obra y su circulación posterior.
Existe entre ellos una diferencia de edad de 25 años, cuando Carpani nacía en 1930 Berni ya estaba volcado al realismo crítico y a punto de reafirmar sus convicciones con la afiliación al partido comunista en 1931. En plena dictadura de Uriburu presenta la primer exposición surrealista realizada en el país en la Asociación Amigos del Arte. Sus obras emblemáticas Desocupados y Manifestación pertenecen a este período (1934), que él denominó nuevo realismo, o más conocido como realismo crítico, movimiento de origen soviético en el que el arte daba cuenta de la realidad social desde lo temático, siempre hubo polémica sobre la verdadera inscripción de la obra de Berni en este estilo.
Berni, Desocupados (1934)
Cuando en los años 60 este autor creaba a sus personajes Juanito Laguna y Ramona Montiel, con materiales de deshecho de una sociedad que descartaba por igual a personas y objetos, Carpani optaba por otro camino para la denuncia social, su obra Huelga de 1958 habla por sí misma. La dureza que transmiten los planos contundentes con texturas pétreas de su dibujo, más los contrastes de claro oscuro, son ya un solo discurso de la línea dura que iba a seguir desde su militancia política gremial al lado de los obreros en los sindicatos.
Carpani, Huelga, 1958
Escribe dos libros Arte y revolución en América latina en 1963 y El arte y la vanguardia obrera en 1965, que funcionan como herramientas de refuerzo para sus convicciones militantes.
A los dos artistas la realidad social los conmovía y motivaba para comprometerse en su trabajo, el contacto con el muralismo mexicano también los atravesó, pero Berni nunca sufrió una persecución ni tuvo que abandonar el país como Carpani en los 70, los años de plomo encontraron al primero ya consagrado, su Juanito, el niño de la villa, contaba con representaciones y temas musicales interpretados por artistas populares. Él recorría los basurales y rescataba los desperdicios de la sociedad industrial y los convertía los collagges característicos de esa etapa, fue un adelantado del “reciclado”.
Berni,Juanito va a la fábrica, 1978
Sus criaturas eran el reflejo figurativo de la marginalidad social, la novedad era el ensamblaje de los materiales con un resultado artístico realmente innovador desde la técnica, aunque hubo voces que lo criticaron por su repetición, “creo que Berni es un artista demasiado central el artista argentino central del siglo veinte, pero es demasiado igual a sí mismo” dice el ensayista Rafael Cippolini.
En cambio para Carpani el individuo debía mantener su dignidad, debía liberarse, no ser mostrado como víctima, no resaltar su miseria en la representación. Diferencias esenciales desde lo ideológico y lo plástico. Han circulado comentarios sobre algunas polémicas entre ellos, según la historiadora Ana Longoni, “Carpani con Berni, habría que decirlo a la inversa. Carpani consideraba a Berni y a los pintores comunistas como pintores de la miseria”.
En 1981, Berni ya estaba cerca de la muerte cuando Carpani comenzaba a pensar en el regreso al país y a su gente, así como a la revolución en el campo plástico, su búsqueda principal para la innovación dentro del propio lenguaje junto a lo político-social. Cuando se concreta su vuelta en 1984 Berni ya no vivía, pero Juanito Laguna y Ramona Montiel ya habían superado su propia figura.
En este punto interviene la circulación de la obra, ¿como es que se establece ese podio del cual ya nunca serán desalojados?, según dice Cippolini “nadie le quita su podio, tiene una silla ganada y eso es lo peligroso, que es una silla muy ganada”*. Otra cita de Longoni “pintores que representaban a personajes marginales pero lo hacían en técnicas que lo único que propiciaban era que finalmente decoraran -decía Carpani- los livings de los pequeños burgueses”*, nos recuerda la muy buena relación de amistad que mantuvo Berni con Amalia Fortabat, quien cuenta en su colección privada con varias obras del artista. Incluso unos sorprendentes retratos de sus nietos son exhibidos en el museo que lleva su nombre (Colección de arte Amalia Fortabat) con estilo renacentista y regalados pintor le ofrecieron alguna dificultad para ser colgados pues no mediaba factura, en dichos de la empresaria. No sabemos si esto es definitorio para darlo como prueba de un factor de consagración.
El gusto del público es otra alternativa importante, en los 90 en plena crisis neoliberal se realiza la gran retrospectiva de Berni en el Bellas Artes de Buenos Aires, bajo la administración Glusberg, con una repercusión masiva impactante. Pero sí, es verdad, que esos cuadros no los puede tener un trabajador, he aquí una de las paradojas.
La obra de Carpani quedó en los murales de sindicatos, como los de la alimentación: Trabajo, Solidaridad, lucha de 1961 y Conciencia de 1974. Por su labor solo cobraba los materiales.
Carpani, Conciencia, 1974
También tiene una circulación privada aunque gran parte de la obra está en manos de su familia. Museos como el Sívori y el MALBA lo cuentan como parte del patrimonio nacional el uno y en su colección permanente de latinoamericanos, el otro, también hay reproducciones de sus obras en afiches y postales en la tienda de este último. Pero Berni goza de otro privilegio, su obra es tratada en forma didáctica con material para las escuelas, con guías y ejes temáticos para las distintas áreas de la currícula escolar primaria y secundaria, la cual se encuentra en la página web de esta institución.
A Carpani se le rinden homenajes y obtiene reconocimientos pero reducidos al ámbito intelectual, si se lo nombra desprevenidamente en un espacio que no sea el de la cultura, se puede escuchar la pregunta “¿quién?”. Pero la mención hoy día de Juanito Laguna por ejemplo, daría menos posibilidades a ese interrogante.
Entonces ¿que sirvió más para el supuesto cambio social que estos dos artistas deseaban genuinamente fiel a sus convicciones?, ¿el ascenso social de Berni con la consecuente llegada de la obra al gran público o la defensa que siempre hizo Carpani de sus ideas con la firme decisión para el estipulado recorrido que haría de antemano el legado de su obra?
Otra de las cuestiones es ¿si fue tan importante el papel de la crítica como muchas veces se señala para la construcción de lo consagrado? o ¿el arte se eleva por sobre cualquier premonición de las expectativas del medio?
La suma de ambos interrogantes lleva a la gran pregunta: ¿el artista puede superar al sistema que fatalmente lo toma y lo usa para el consumo más allá de su propia decisión? Carpani lo intentó, no sabemos a ciencia cierta si Berni negoció su fama, ambos se encuentran dentro de esta paradoja: ¿cual es el verdadero legado al pueblo de los artistas llamados “sociales”? Despejar este interrogante se convierte así en un posible nuevo desafío para continuar el debate.
*Revista web Ramona, edición 7/4/2006- Infinito Berni
L F
HABLEMOS UN POCO DE ARTE BA
ARTE BA es una feria de arte que se presenta desde hace 20 años en Buenos Aires. Su función no sólo es de venta, la muestra y divulgación de las obras permite mantener actualizado el mundo del arte contemporáneo actual. Aunque parezca redundante es algo sobre lo que ahondaremos en otro artículo. Desde sus comienzos ha cambiado muchísimo la presentación, las galerías exhiben sus obras y artistas con una cuidada estética, conviven la tradición y lo nuevo o “emergente” como se ha dado en llamar en los últimos tiempos a lo que “surge”, otro tema que desarrollaremos en siguientes entregas. Por ahora un pantallazo de este evento para situar al lector cuando nombremos determinados términos. Por ejemplo tiene un sector llamado Barrio Joven, auspiciado por la empresa Chandón, aquí se invita a los jóvenes a presentar sus proyectos y previa selección por un jurado integrado por autoridades en el tema (críticos, galeristas, historiadores de arte, etc.) se les otorga un espacio en alquiler y así la posibilidad de ingresar al mercado del arte. Las convocatorias suelen tener ejes temáticos cada año.
También desde hace 6 años se otorga el premio Petro Brass. Aquí se presentan las mas variadas manifestaciones del arte actual y por supuesto muy polémicas. Daremos los nombres características de los ganadores de los dos últimos eventos en un apartado más adelante.
Los museos tienen su espacio en Arte ba, presentan las novedades, a sus artistas destacados o muestras importantes a realizarse durante el año. Son de presencia habitual: el Museo Nacional de Bellas Artes, el MALBA, el Museo de Arte Moderno entre otros.
Las provincias se encuentran representadas a través de sus delegaciones, que difunden con material gráfico los lugares de interés cultural de sus ciudades.
Un dato de interés son las empresas auspiciantes que acorde con el lugar suelen hacer presentaciones tipo performances como es el caso de la marca de zapatillas Conversse.
Las revistas de arte nacionales e internacionales presentan sus números nuevos e incluso tienen ofertas por los anteriores, informan sobre las suscipciones y reparten folletería. Las más importantes son Arte al día de Argentina y Exit de España. Otra muy interesante que se presentó este año es Art Motiv de Perú, con dos ediciones internacionales por año para las ferias, no se maneja con suscripciones, en su país publica ediciones mensuales.
Las conferencias, presentaciones, e incluso actividades de los artistas en el lugar es otro de los atractivos. Son auspiciados por los medios gráficos, radiales y audiovisuales más destacados.
La afluencia de público de los últimos años va en aumento, su difusión mediática es muy amplia, esto la ha convertido en un evento masivo. Es muy dinámico, dura cuatro días, el costo de la entrada este año oscilaba los 35 pesos, con descuentos a jubilados, docentes y estudiantes como se estila en estas oportunidades. Bueno, hasta acá una idea acerca de que se trata para los que no la conocían. Después habrá más artículos sobre algunos temas en particular, chau y gracias.
L F
miércoles, 6 de julio de 2011
CURSO DE ARTE ARGENTINO
HOLA A TODOS!! AQUÍ VA UN DATO PARA UN CURSO QUE PARECE MUY INTERESANTE DE POSGRADO QUE DICTA VISUALES DEL IUNA
<La historia del Arte Argentino desde una perspectiva histórica y estética>
http://http://www.iuna.edu.ar/posgrados/cursos/957-la-historia-del-arte-argentino-desde-una-perspectiva-historica-y-estetica-
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